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STILL LIFE STEP 3

still 3

In Step 3 I want to establish textural differences in our objects and reinforce their modeling. The techniques employed for this end are blending and stroke variety.

To develop the semi-smoothness of the pumpkin skin and reinforce the rounded ribs of the shell, I proceed to blend. I cover the pumpkin almost completely with 10A1 (Cadmium Orange) to unify the previously underpainted colors. Next, I introduce 45F1 (Oxide of Olive) and proceed to blend all the colors of the pumpkin with the pastel stick. I use 26C5 (Light Raw Sienna) to underpaint the lighter areas of the pumpkin. I accent texture with the following three colors: 45B1 (Permanent Green), 10B1 (Vermilion), and 26K1 (Burnt Umber). I also enlist 5C1 (Cadmium yellow), and 26K1 (Burnt Umber) very carefully into strategic areas.

With 45B1 (Permanent Green) I work on the leaves, apples, and shadow part of the pumpkin. I reinforce the stem of the pumpkin also with this green as well as 38F1 (Cerulean Blue). I then use 26K1 (Burnt Umber) to accent the base of the stem and to paint over the blue area of the stem. I vary the strokes to indicate a rougher texture of the stem.

From the pumpkin, I turn my attention to the apples. The shiny smooth apple skin will require considerable smooth blending. Where I had just intensified the green parts of the apples with 45B1 (Permanent Green), I now modify this with 32B4 (Non-color #,2). The darker portions of the reds I overpaint with 20A1 (Purple). Note that only the middle and darker tones are dominant at this point.

I model the folds in the drapery with 5C1 (Cadmium Yellow). I also use 32B4 (Non-color #2) and 32B5 (Non color # 2) to develop the folds in the material. The same two non-color sticks are also used in the shadow area of the apples.

Still Life Step 3 Close-Up

At this point, observe the effect the non-color sticks have on full hue colors. Direct use of full hue colors leaves pigment on the surface tooth only. Using a non-color stick for overpainting tends to spread the pigment more thoroughly over the surface, serving to intensify the original hue while subduing any rawness. Thus excellent effects are obtained by painting with non-colors over top of bright colors.

As our primary aim in this stage of the painting is to develop the textural qualities of the objects, I must also work on the transitional tones of the objects. By this I mean those areas where light blends into dark. Overpainting these areas with neutrals, varying the amount of blending according to the texture of the object, develops the transition areas. For example, 32B4 (Non-color #2) overpainted on the leaves of the apples gives an appropriate effect. I also use this non-color to intensify the shadows made by the apples and pumpkin.

In developing the textural qualities of the still life in this stage, I employ various blending techniques unique to oil pastels. This is an ideal time to develop the techniques that will be so useful in all your oil pastel work. You might, by experimenting, develop your own new ways of blending!

What we have done so far is to, after cross-hatching, blend the colors by selecting a neutral color as a tool. By a simple application of the stick in a circular motion, various degrees of blending can be achieved.

A different way to blend colors, which causes more coverage of the surface of the paper, is to make a simple blending tool out of paper towel. I make this paper towel tool by folding a piece of paper towel as follows:

The reason you will want to make your own blending device and not rely on ready-made ones, is that your blending tools will saturate and quickly become clogged with color. You will need many individual blenders in the course of a single painting. Ready made tools will quickly become too costly a proposition. Paper towels, on the other hand, are cheap and plentiful. With a bit of practice, the knack of making a blending triangle makes this blending technique practical. In addition, when you make your own paper towel blending devices, you can vary the degree of softness or hardness of the tool by folding the paper towel more or less times. This controls the number of layers of paper towel -- use of more layers creates a sturdier, harder blending tool and also a narrower, sharper point to your tool. You will also find that as one tool becomes over filled with color, you will be able to quickly refold that same tool to present a new fresh surface to work with.

I would suggest at this point, a bit of practice on a separate piece of paper with similar tool to the one on which you will produce your final painting. The idea is to try to maintain even pressure on the blending device. A circular motion is helpful in most instances. Change of direction is most important. You will see how this blending technique very quickly results in coverage of the paper surface. Better distribution of the pigments creates stronger color areas. Another way to achieve blending is to use a piece of art wax as a blending tool. This should be used carefully, so as not to overload the surface of the paper with the art wax itself.

Another blending technique I occasionally use is to select a middle tone, neutral color stick, and place it in the refrigerator so that it becomes cooler, and thus harder, than the rest of the sticks I am working with. I then use this cooled oil pastel as the blender.

Another common way to blend is to "dress" your fingertips with different coverings (Various gloves available commercially or simply bits of cloth, rag, soft papers, or in limited areas, your fingertips alone!)

You will notice that I am not mentioning the use of different solvents, painting mediums, or glazes. These are covered in my larger book on painting with oil pastels. Now, we are discussing the introductory techniques to get you started in the two demonstrations.

To conclude Step 3, you will observe that the objects still appear relatively flat. Transitions from one color area to another are only roughly developed. Highlights have been held back. Reflected colors are still far from what they are going to be in Step 4. We have our work cut out for us to complete this painting!

静物 ステップ3

ステップ3では、私は各モチーフの質感の違いをはっきりさせ、それらの造形を確かなものにしたいと思う。 混色といろいろなストロークのテクニックが、このステップの終わりに使われる。

かぼちゃ表面の比較的なめらかな感じと肋骨のように張り出して見える部分を硬そうに見せるために、私は混色作業を続ける。 私は、先に描いた色と一体化するように、10A1(カドミウムオレンジ)を使いほぼ完全にかぼちゃを描き込む。

次に、私は45F1(オリーブオキサイド)のパステルスティックを使い、かぼちゃのすべての色を混色していく。 かぼちゃの明るい部分の下塗りに26C5 (明るいローシェンナ)を使う。 私は以下の3つの色を使い質感を強調する。 45B1(パーマネントグリーン)、10B1(バーミリオン)、および26K1(バントアンバー)。 また、私はとても慎重に、5C1(カドミウムイエロー)、および26K1(バントアンバー)を加える。 45B1(パーマネントグリーン)を使い、私は葉、りんご、およびかぼちゃの影の部分に取り組む。 私は38F1(セルリアンブルー)と同様にこの緑色を使い、かぼちゃの茎を補強する。 そして、私は、26K1(バントアンバー)を使い、茎の根元にアクセントをつけ、茎の青い部分の上にも上塗りする。 私は、茎の、より荒い質感を示すためにストロークを変える。

かぼちゃの次は、りんごへ。 輝いている滑らかなりんご表面を描くには、かなりの滑らかな混合を必要とするだろう。 45B1(パーマネントグリーン)を使って、りんごの緑色の部分を強調しすぎたところを、今度は、32B4(明るい灰色)を使い、変更する。 赤の、より暗い部分に20A1(パープル)を上塗りする。 この部分では、中央の、より暗いトーンだけが優位であるのに注意しなさい。

私は5C1(カドミウムイエロー)を使い布地の折り目を作る。 また、私は、布地に折り目を作るのに、32B4(明るい灰色)と32B5(最も明るい灰色)を使用する。 また、同じ2本の灰色がりんごの影の部分で使用される。

ここで、無彩色(グレー)を有彩色の上に乗せたときの効果をよく見なさい。 原色のダイレクトな使用は、絵の表面に顔料が定着しないたくさんの隙間を残すことになる。 無彩色を上塗りに使うことは、顔料を絵の表面によく広げることになる。そして、原色の持つどぎつさを和らげることができる。 その様なすばらしい効果は、鮮やかな色の上に無彩色を上塗りすることで得られる。 このステップでの第一の目的は、モチーフのそれらしい質感を作り出すことにあるので、私はモチーフの色の調子が移り変わる部分に取り組む必要がある。 つまり、光が影の部分と混ざり合う、その境目あたりのことを言っている。 これらの(色調が移り変わる)部分に、モチーフの質感に応じて混合する量を変えて、無彩色を上塗りすることで、色調が移り変わる部分を製作する。 例えば、りんごの葉の上で上塗りされる32B4(無彩色#2)は適切な効果を与える。 また、私は、りんごとかぼちゃによって作られた影を強調するのにこの無彩色を使用する。

この段階において、静物の質感の違いを作り出す際に、私はオイルパステルならではのいろいろとユニークな混合のテクニックを使う。 今こそ、あなたのすべてのオイルパステル作品でとても役に立つようになるテクニックを見いだす時だ。 試してみて、あなたはあなた自身の手による、新しい混合テクニックを見出すかもしない!

我々がこれまでしたことは、網目模様の線を描いた後に中間色を使って色を混合することである。 スティックをただ円を描くように動かすことで、様々な混合の度合いを達成することができる。

混色する別の方法(それは、紙の表面を、より確かに彩色する方法でもある)は、ペーパータオルを使って簡単な混合道具を作ることである。私は1枚のペーパータオルを以下のように折り重ねて作る。

あなたは、既成の混合ツールではなく、自作のものをほしいと思うようになるだろう。どうしてかというと、そのツールは、すぐに全体が汚れてしまい、紙の目が詰まって用を為さなくなるから。あなたは一枚の絵を仕上げるまでに多くの数の混色ツールを必要とするだろう。市販のツールはすぐにお金が掛かり過ぎるようになって問題である。一方、ペーパータオルは安くて、たくさんある。ちょっと練習して、混色用三角形ペーパータオルを作るこつをつかめば、この混色のテクニックを実用的にすることが出来る。それに、あなたは、ペーパータオルを折り重ねる回数を多くまたは少なくすることで、軟らかさあるいは硬さの度合いを変えることができる。ペーパータオルを重ねる数を変えると--より多く重ねるとあなたの混色ツールは、より丈夫になり、そしてまた、 より狭くて、より鋭い先端を作成することが出来る。また、あなたは、1個のツールが色で完全に汚れてしまったとき作業を続けるために、その同じツールを折り直すことによってきれいな面を出すことが出来るようになるだろう。

私は次の点も助言しておく。混色ツールに別の紙を乗せるというちょっとしたことで、絵を仕上げるまで、このツールを使いつづけることが出来る。考え方としては、混色ツールにいかにして同じ圧力を維持させるかということである。円形の動きはほとんどの場合に役立っている。方向を変えることは最も重要である。あなたは、この混合のテクニックが如何にすばやく紙表面をカバーするかわかるだろう。顔料を、 よりうまく紙の上に押し広げるほど、 より強い色の領域が作成される。

混合を達成する別の方法は混合ツールとして1片のアートワックスを使用することである。これは、アートワックス自体でペーパの表面をこすりすぎないように慎重に使用されるべきである。

私が時折使用する別の混合のテクニックは、中間調で、自然な色のスティックを選択して、それを冷蔵庫に置く。そうすると、そのスティックは、使っている残りのスティックより冷たく、硬くなる。私は混合ツールとしてこの冷たくしたオイルパステルを使用する。

混合する別の一般的な方法は、いろいろな覆いであなたの指先に「服を着せる」ことである。(市販の手袋を利用するか、ただの布、ぼろ切れ、柔らかいペーパなどを。あなたの指の先端だけでも良い。)

あなたは、私が溶剤、メディウム、上薬の使用について言及していないのに気付くだろう。これらはオイルパステルで絵を描くとき私のより大きい本で扱われている。今は、我々は、2つの製作例のなかであなたがオイルパステル画を始めるための初歩的なテクニックについて語ろうとしている。

ステップ3が終了する時点でもなお、あなたは、物がまだ比較的平面的に見えているのを観察するだろう。色の変化は、大まかなエリアとしてつけられる。ハイライトはまだ施されないでいる。それら反射色は、まだ先のステップ4で施される。この絵を完成するのに我々に適したやり方が用意してある。