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Still Life Demonstration(原文)

Setting the Composition


The first thing you should do is secure a nice pumpkin with a good stem and several apples with leaves still on. My"models"were from a lovely farm not far from my studio, where the farmer let my four-year old son Gilbert and me actually go into the orchard to obtain the luscious looking fruits. If you cannot find a local farm, ask your local fruit man or produce manager at the supermarket to hold some apples with leaves for you, as typically there are a few in each shipment, that are carefully plucked before being displayed for shoppers.

You will also need a neutral colored drapery. Try to find a soft, grayish cloth, something that will allow the brightness of the fruits to stand out against it.

Arrange your scene on a small table. Remember, when you establish the composition of your painting, to make sure that your set-up has a focal point, that it has visual excitement, and that you have included a combination of different sized objects. How you place your objects in a still life is thus critical. Not only should you observe a pleasing balance of placement [-that is, everything should not be pushed into one corner but also the silhouette of each object must be immediately recognizable. If one object obscures another to the point where it is not clear what the object behind actually is, then adjust the items slightly, so that the object can be understandable in your painting.

Place your light source in such a position as to give the best definition and modeling to all of your objects. In this case, the light source was from the upper left. Get a roll of paper towels handy, and now, you are ready to paint along with me.

still1 close-up

After you have set up your composition, do a careful study of the scene and preplan your color scheme.In this way you will be able to intelligently carry out your work, underpainting with such colors as to really make your picture come alive.

In this first stage of the painting, I block in the composition. I like to sketch in the objects in colors close to their actual colors - I find it very helpful when I continue the painting.Instead of making the basic layout with some monotone such as brown or black or gray, I go directly into the actual colors that I will paint with.It gives me a good feeling when the drawing is full of color, even at this early stage.It avoids boredom and makes me think in terms of color from the very beginning of each painting.

I establish first the silhouette of the pumpkin and the three apples with 26H1 (Red Ochre).I sketch roughly and somewhat tentatively.The lines are freely flowing.I do not indicate detail.I am only interested in suggesting the important elements of the pumpkin, and where it will be painted.

I indicate the stem of the pumpkin with 45L1 (Sap Green).I also use this same green to do sketchy blocking in of the green parts of the apples and the leaves.As you can see, this very early blocking in begins to establish the shape, or contours, of the apples and leaves.I make very simple suggestions of the darks in the greens.

I use 13C1 (Permanent Red) to do similar shaping and color swatching of the red parts of the apples.I also introduce a little of this red into the pumpkin itself.This not only helps to establish the contours of the pumpkin but also serves to build up the vivid lively orange that I see in this pumpkin.

I further suggest the red part of the apples with 20A1 (Purple).I indicate the direction of the major folds in the drapery with 32C1 (Warm Gray). I use quick strokes, with very light pressure. My aim is to establish basic directions, the dynamics of the drapery in this composition.

I also use this warm neutral color, 32C1, to indicate the shadows of the objects in my painting. Establishing shadows is particularly helpful in providing clarity of silhouette, especially when the objects overlap.

Note that at this point, in this light quick sketching in stage, you can see the texture of the paper showing through. This is fine and expected. You do not want too much pressure on your oil pastels. Use your pastels lightly. In that way your paper will not get tired and clogged. You will be able to continue to work on your painting for quite a while, so long as you don't lose the tooth of the paper under an overly heavy layer of oil pastels.

This does not mean, however, that your strokes should lack character. Every time you touch the surface of the paper, you should leave a beautiful mark. Do not leave purposeless marks on the surface -- the viewer's eye will get discouraged and the result will be distress rather than enjoyment. Strive instead for a meaningful calligraphy in your strokes.

Make sure that the direction of light in your painting is absolutely clear. Varying the weight of your strokes is vital for this purpose. For example, when painting the side of the pumpkin that is closer to the light source, you can use much lighter lines than when painting the areas that are in the shadows. This reinforces the direction of the light in your composition. Also, take care that areas of reflected light are not painted in lighter, brighter colors than areas of primary light -- these should always have the brightest colors and the lightest highlights.

Since you have been using only light flexible strokes in this stage, you can always overpaint, correct, or change your mind at this point. Decisions can and should be made while you paint. Flexibility early on is vital.Nothing should so lock you in that you are afraid to change and improve it.

Observe not only color in this early stage, but also values. Do not make anything too dark. Similarly, avoid the very light colors in the very beginning. By exploring the middle tones only now, you will leave yourself enough room to create exciting accents and highlights later.

Now that you are about to finish step one, the sketching in, establishing of colors and basic composition, you already have a pretty decent idea of the final painting. Yet you have used only 5 sticks of oil pastel --26H1, 20A1, 13C1, 45L1, and 32C1! Although we have kept ourselves so far to a very limited palette, the painting looks far from monochrome. Instead it looks vibrant and full of the promise of luscious colors and well-balanced tones.

At this stage, since you can still change your mind, it is wise to step back and analyze what you have established. If you feel you should recompose, adjust a position or angle of an object, now is the time to do it. Simply sketch in your corrected version overtop of and alongside your original sketching; later layers of oil pastel will cover up those elements you decided away at this point.



あなたは、まず、良い茎が付いている良いかぼちゃと葉がまだ付いている数個のりんごの配置を決めなければならない。 私の「モデルたち」は私のアトリエから遠くないすてきな農場からやってきた。農夫が、私の4歳の息子ギルバートと私をおいしそうな果実を取るために果樹園に実際に入らせてくれたのだ。 地元の農場を見つけることができない時は、葉っぱのついたりんごを取っておいてくれるよう、あなたの地元の果物屋にお願いするか、スーパーマーケットで支配人にお願いしなさい。入荷する商品のなかに葉っぱのついたりんごは非常に少ないし、たいてい、買物客のために店先に並べられる前に葉っぱは、慎重にむしり取られている。

また、あなたは中間調の色をした布地が必要になるだろう。 果実の明るさを引き立てるような、柔らかくて灰色の布のようなものを見つけるようにしなさい。

小さいテーブルの上にあなたの舞台をうまく配置しなさい。 あなたがあなたの絵の構成を確立した時、あなたが異なった大きさの物を組み合わせて置いたこと、その配置には中心となるポイントを設けたこと、それが視覚的面白さを持つようにしたことを覚えて置きなさい。 あなたがどうモチーフを静物画の中に配置するかは、非常に重要である。 すべてのモチーフが片隅に押し込まれるべきでない。そのように、あなたが好ましいバランスを保つようにしなければならないし、同時に、それぞれのモチーフのシルエットは一目で見分けがつくようにしなければならない。 もし、ひとつのモチーフが別のモチーフの陰になって見にくい所へ置かれたなら、その物を少しずらしなさい。そうすることで、あなたの絵のモチーフがわかりやすくなる。

全部のモチーフがベストな形で明瞭な区別がつくようになるような位置に、光源を置きなさい。 この静物画の場合、光源は左上にある。 ペーパタオルのロールを手元に置きなさい。これで、あなたは私と共に絵を描く準備ができたことになる。

静物 ステップ1

あなたがモチーフを配置し終えたら、構図と色彩設計を慎重に行いなさい。 こうすることで、あなたの絵を知的に仕上げることが出来るだろう。あなたの絵が生きているように見えるような下塗りをすることによって。

絵のこの第一段階では、構成の輪郭を描く。 私は、実際の物の色に近い色でスケッチするのが好きだ。そのことが、絵を書きつづける上で非常に役に立つ。 褐色、黒、または灰色のようなモノトーンで基本的なレイアウトを作る代わりに、私は、いきなり、実際の色で彩色する。 この初段階から図面が色でいっぱいだと、とてもいい感じだ。 そうすると退屈じゃないし、それは、それぞれの絵の初期段階から色について考えさせてくれる。

最初に、私は26H1(レッドオーカー)を使い、かぼちゃと3個のりんごのシルエットを作成する。 私はラフに、そしていくらか試験的にスケッチする。 ラインは自由に流れている。 私はディテールを描き込まない。 私はかぼちゃの重要な各要素とそれが何処に描き込まれるかということにだけ興味がある。

私は45L 1(サップグリーン)を使いかぼちゃの茎を描き込む。 また、私はりんごと葉の緑色の部分について、一塊としてスケッチするためにこの同じ緑色を使用する。 お分かりのように、この初期の段階でりんごの形や輪郭が出来始めている。 私は緑色の中の暗い部分を単純に描き込む。

私は、りんごの赤い部分の形と面を作るのに、13C1(パーマネントレッド)を使用する。 また、私はかぼちゃにも、この赤を少し描き加える。 かぼちゃの輪郭を確立するのを助けるだけでなく、この赤は、このかぼちゃの中にある鮮やかで生き生きとしたオレンジ色を確かなものにするのにも役立つ。

さらに、20A1(パープル)を使いりんごの赤い部分を書き込むといい。 私は32C1(ウォームグレイ)を使い布地の主要な折り目を描き出す。

私はとても軽い力ですばやくスティックを動かす。 私の目的は基本的な方向性、この構成の中で、布地の大きなうねりを確立することである。
また、私は、絵のモチーフの影を示すのにこの暖かい中間色、32C1を使用する。 特にモチーフが重なったとき、影をつけるとシルエットが明確になる。

あなたはオイルパステルをあまり力をこめて使いたくないだろう。 軽い力で、あなたのパステルを使用しなさい。 そのようにすれば、紙は、疲労してぼろぼろにならないだろう。 紙の上にオイルパステルを厚く塗り重ねていったとしても、紙の目がへたらない限り、絵を描きつづけることができる。

紙の表面に触れているときはいつも、あなたは美しい跡を残すべきである。 無意味な跡を表面に残すなかれ。 鑑賞者はがっかりし、その結果、楽しみよりむしろ苦悩になるだろう。 (無意味な跡を残す)代わりに、カリグラフィーのように意味深いストロークを求めて努力しなさい。

あなたの絵の中の光の方向が単純明快であることを確かめなさい。 あなたのストロークの力の入れ方を変えるのはこの目的のために重要である。 例えば、かぼちゃの光源側の面を描き込むとき、あなたは、影の領域を描き込む時よりも、はるかに軽いタッチの線を使用することができるだろうか。

この段階で軽い柔軟なストロークだけを使用すれば、あなたは思い直して、塗り重ねたり修正したりすることができる。 あなたが絵を描いている間、修正変更が自由に出来、また、するべきである。 柔軟であることは早い段階から重要である。

この初段階において色だけではなく、その効果もよく見なさい。 何ものも暗くしすぎないこと。
同様に、はじめのうちは、あまり明るすぎる色も避けなさい。 今、中間調だけを探ることによって、あなたは後ですばらしいアクセントとハイライトを作成するための余地を残すだろう。

ステップ1を終え、基本的な配置と配色を確立した今、あなたには、立派に完成したときの絵が想像できるだろう。 これまで、あなたはオイルパステルの--26H1、20A1、13C1、45L1、および32C1の5本のスティックだけを使用した! 我々は今までのところ非常に限られた色だけを使ってきたが、絵はけっこうカラフルに見える。

この段階で、これまでの仕事を見直し、考え直すことは、まだ可能だ。 あなたが配置をやり直すべきであると感じるならば、モチーフの位置か角度を調整しなさい。まさに今それをやるべきときだ。 元のスケッチの線に沿って、単純にスケッチを修正しなさい。 後に描き加えたオイルパステルのレイヤー(層)はあなたが修正すると決めたエレメント(線など)を覆い隠すだろう。