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Landscape Demonstration(原文)

Step 2

landscape step 2

In step 2 of this landscape painting, we will begin refining the drawing and introduce all the colors that will be used in the painting.

I use 32C1 (Warm Gray) in the upper left portion of the picture, the sky and mountain top area, to create the effect of mist.

I reinforce some of the basic drawing of the boats with 38F1 (Cerulean Blue). This will involve drawing the chimneys of the side-wheelers, and reinstating the bodies of the ships. I also suggest the water line on the ships, to make the objects more recognizable.

With that same 38F1 (Cerulean Blue), I re-establish the darker areas of the mountain on the left side of the picture. You will find, as you work heavily over this portion of your painting, that you have a fair amount of oil pastel build-up. In order to successfully apply subsequent layers, instead of continuing to use the broad edge of the stick for coverage, use the sharp corners of the square stick. This will allow for continued application of pigment. You might also vary the direction of the strokes.

I use blending techniques in this painting to create softened edges in the clouds and on the mist-covered mountain. You will notice, as you start blending, that the intensity of blended colors becomes more obvious. That is to say, less paper surface shows through and a greater saturation of oil pastel pigments takes place.

As I blend the mountain and sky colors, I run the sky slightly into the mountain's mass. It will help me to create the effect of the light that breaks through the cloud cover, spilling onto the mountain.

With my paper towel blender, I also carry the paint from the mountain right into the reflection area of the water. I even over-run my boats, since they are in the shadow of the mountain. I am not concerned about losing definition of the objects; in the next stage I will restore the drawing of the boats. At present, I am concerned with establishing color harmony and unity as a whole.

In the green area of the mountain, I introduce a bit of 26Hl (Red Ochre) to help the green become more vivid.

After I built stronger colors on the mountainside, I build a stronger light source in the sky. I especially want to bring out the area where the sun breaks through the storm clouds. Some blending helps me here, reducing, although not totally eliminating, the texture of the paper underneath. At all costs, I avoid using my lightest colors, such as Hansa Yellow or light grays or white at this point; they will be reserved for highlights later on. Instead I choose 32B4 (Non-color #2) to prepare the lighter areas of the sky. I totally cover the sky area, blending as I go, in preparation for a later application of blues.

I introduce 5A1 (Hansa Yellow) into the light source area. I use the side of the stick to cover a wide area. This color is used elsewhere to establish the basic color of the light. Particularly I introduce some of this color into the shadow side of the mountain to give the effect that the light is filtering through the shadow. This is very important in establishing the mood of the whole scene.

I now use 5A5 (Light Hansa Yellow) to intensify the source of light. I take a blade and cut my pastel stick in approximately an inch piece, on an angle, with a sharp edge. I apply this smaller piece of pastel with a variable pressure technique. I start the stroke with a definite firm pressure, then I gradually release pressure until at the end of the stroke, the application of color has stopped completely. This technique is especially effective in creating the rays of light that break through the clouds.

I also intensify the light in the parts of the clouds behind the mountains that face the light source. I apply the pastel stick directly into the paper, pressing it hard. This leaves interesting traces of color with random large chunks in it. These chunks of pigment give a painterly quality to the work.

I use a different technique here as well. As I apply the oil pastel to the painting, I roll it into the surface rather than drag it over the paper. By rolling and varying the pressure at the same time, many different types of traces can be left on the surface.

I now apply a touch of 10A1 (Cadmium Orange) into the sun's rays. I then use neutral gray, 32B4 (Non-color #2) to slightly subdue these orange traces. To continue color unity, I also introduce some of the Cadmium orange into the distant mountains, to give the effect that they too are affected by the light source.

Don't forget to step back (figuratively if you are painting from a boat!) when you are painting a landscape, to analyze the total effect. If your major values are losing importance, restore them before continuing. Subdue other elements, and re-establish the general balance of your composition.

Remember also that in a landscape painting particularly, you are dealing with many different textures. Here, the amount of surface paper you allow to show through can aid in establishing the various textures. In this painting, for example, I am allowing more paper to show through in the foliage area of the mountain than I allow to peek through in the smooth sky areas. On elements where I need soft edges, such as tree lines, I particularly let the paper surface show through.

風景画デモンストレーション

ステップ 2

この風景画のステップ2では、我々はデッサンを細部までつめて、この絵で使われることになる色の全種類を導入するつもりである。

私は、霧がかかって見えるように、絵の左上の一部、空、および山の頂上付近に32C1(ウォームグレイ)を使用する。

私は38F1(セルリアンブルー)を使いボートの基本的なデッサンを補強する。これは蒸気船の煙突を描いて、船のボディーを復元することでもある。また、私は、モチーフがよりはっきり見えるように船体に喫水線を軽く描く。

その同じ38F1(セルリアンブルー)を使い、私は絵の左側にある山の、 より暗い領域をもう一度描く。あなたは、あなたの絵のこの一部よりも大いにやり直しながら、見つけるだろう。正しい量のオイルパステル強化を持っている。さらに塗り重ねる作業がうまくいくように、スティックの側面を使わずにとがった角を使いなさい。そうすることで顔料を続けて塗布できる。また、ストロークの方向を指示を変えるのも良い。

私は、雲のやわらかな輪郭と、霧で覆われた山を描くのに混色のテクニックを使用する。混色を行うと色は、より明瞭になることにあなたはすぐ気付くだろう。それは、紙の塗り残した部分が顔料に覆われて行くということだ。

山と空の色を混色するとき、私は空の色を山の部分にすこし、はみ出すようにする。それは、雲の隙間から山に降り注ぐ光を表現するときの下地となる。

また、私製ペーパータオルブレンダを使い、私は山の右側から水面の反射領域へ混色を行う。山の影にあるボートにも同様に混色を行う。私は対象のデッサンが狂うのを気にしない。次のステップで、私はボートのデッサンを修復するつもりである。現在のところ、私は色の調和と全体の統一感を完成するように心がけている。

私は、緑が、より生き生きとするように山の緑色の中に、26Hl(レッドオーカー)を少々加える。

山腹により強い色を塗ってから、私は空により強い光源を描く。私は太陽光があらし雲を突き破るところを特別に表現したい。混色することで紙表面の凹凸を少なくする。もちろん、完全に凹凸を無くすわけではない。どんな犠牲をはらっても、私は、ここにハンザエロー、ライトグレーまたは白などの最も明るい色を使用するのを避ける;それらは後でハイライトに使うために取っておく。代わりに、私は、空の、より明るい領域のために、32B4(やや明るめで色味を感じないグレー)を選ぶ。次に青色を導入する準備として(このグレーで)、私は空全体を完全にカバーする。

私は光源の部分に5A1(ハンザエロー)を取り入れる。私は、広い面積をカバーするのにスティックの側面を使用する。この色はほかの場所で光の基底色として使用されている。特に私は、山の光の当たっていない部分が降り注ぐ光線の向こうに見えているという景色を表現するために、そこに、この黄色を少々取り入れる。これは絵全体の雰囲気を作り上げるために非常に重要である。

私は、今、光源を強調するのに、5A5(明るいハンザエロー)を使用する。私はカッターを使いスティックにとんがったエッヂができるように角度をつけて、スティックを約1インチの長さに切る。私は加える圧力に強弱をつけてこの小さくしたパステルを使う。はじめはしっかりと圧力加え、それから、色が紙につかなくなるまで徐々に力を抜いていきながらスティックを動かす。このテクニックは雲を貫いている光線を作成するのに特に効果的である。

山の手前に光源があり、その山の向こうに雲がある。私は、雲の中に光を強調して描く。私はパステルのスティックを紙の中に押し込むように強く押し付ける。そうして出来た顔料の分厚い塊は、いかにも画家の仕事だという印象を作品に与える。

また、私はここで別のテクニックを使用する。私は、オイルパステルを紙の上で引きずらずに紙の上で転がす。押し付ける力を変えながら回転させると、紙の表面に多くの異なったタイプの跡を残すことができる。

私は、10A1(カドミウムオレンジ)を太陽光線の中に加える。それから、私は、これらのオレンジの跡を少し和らげるためにニュートラルグレー、32B4(無彩色#2)を使用する。また、色の統一を続けるならば、私は、遠景の山々にも少々カドミウムオレンジを描き加える。それらも光源によって見え方が影響されていることを示すために。

風景画を描いている時には、そのタッチが絵全体に対してどう影響するか分析するために、数歩下がって絵全体を眺めるのを忘れるな!(もしあなたがボートに座って描いているならば、これは比喩的な表現と解釈してほしい)。その絵の価値ある大事な部分が失われているならば、何より先に修復しなさい。その大事なポイント以外の要素を抑えた表現にしなさい。そして全体の構成のバランスを取り戻しなさい。

また、風景画では特に、あなたがいろいろなテクスチャーを扱っているのを意識していなさい。ここで、あなたが紙の目が透けて見えるようにわざと残した部分がいろいろなテクスチャーを表現するのに役に立つ。例えば、この絵では、滑らかな空の部分よりも私は山にある木の葉の部分のほうにより多くの紙の目を残す。特に木の形などの柔らかい輪郭線を必要とするところでは、私は紙の目が透けて見えるようにする。